מוזיאון ג'יי פול גטי

מוזיאון ג'יי פול גטי

מוזיאון ג'יי פול גטי של מאליבו, קליפורניה, ממוקם על ראש גבעה בהרי סנטה מוניקה, ממש ליד הכביש המהיר בסן דייגו. הוא ראה באמנות השפעה מאירה; נקודת המבט שלו הובילה להקמת המוזיאון. מוזיאון Getty, שנבנה לראשונה בשנת 1971, מציג את אוסף האמנות המערבית של Getty מימי הביניים ועד היום, על רקע אדריכלות דרמטית, גנים שלווים ונופים עוצרי נשימה של סביבות לוס אנג'לס - האוקיינוס ​​השקט, הרי סן גבריאל ורשת הרחובות הרחבה של העיר. מטרתו היא להפוך את האוסף לאטרקטיבי ומשמעותי למבקרים על ידי הצגה ופרשנות של החזקות. האוספים כוללים ציורים אירופיים, רישומים, כתבי יד, פיסול ואמנות דקורטיבית ותצלומים אירופאים ואמריקאים. המוזיאון החל את אוספי הציורים שלו בשנות השלושים בהנהגתו החכמה של גטי עצמו. האוסף הרחב מציג ציורים מתקופת הרנסאנס הצפון-איטלקי, ציורי בארוק מאיטליה ומפלנדריה, עבודות הולנדיות מהמאה ה -17 ויצירות צרפתיות מהמאה ה -18 וה -19. מחלקת הצילומים מחזיקה בתשעה אוספים ועוד כמה תצלומים שנרכשו בשנת 1984. רישומים מאת פול גוגן, וינסנט ואן גוך, ולאחרונה ציור נדיר של מיכאלאנג'לו, מוסיפים יראה מסוימת למוזיאון. אוספי הפיסול האירופיים של פול גטי כוללים יצירות נוצצות מתקופת הרנסאנס האיטלקי, הצרפתי והעידן הניאו -קלאסי הבריטי. הג'יי שרף את תהילתו של המוזיאון. נאמנות מוזיאון גטי יצרה ציון דרך תרבותי נוסף כשפתחו את ה- J. כמרכז חינוכי ומוזיאון. , וילה גטי מוקדשת לחקר האמנות והתרבויות של יוון העתיקה ורומא. שמירה היא אחריות בסיסית של מוזיאון ג'יי פול גטי ומהווה מרכיב חיוני במשימת המוזיאון.


*כלי חרס בעלי זיגוג אטום של תחמוצת פח, מעוטר בדרך כלל.


מרכז גטי

ה מרכז גטי, בלוס אנג'לס, קליפורניה, הוא קמפוס של מוזיאון Getty ותוכניות אחרות של Getty Trust. מרכז 1.3 מיליארד דולר נפתח לציבור ב -16 בדצמבר 1997 [2] וידוע בארכיטקטורה, בגנים ובנופים המשקיפים על לוס אנג'לס. המרכז יושב על גבעה המחוברת למוסך חניה של מבקרים בתחתית הגבעה על ידי מעביר אנשים עם רכבות בעלות שלושה מכוניות ומכוניות. [3]

המרכז, הממוקם בשכונת ברנטווד בלוס אנג'לס, הוא אחד משני המיקומים של מוזיאון ג'יי פול גוטי ומושך 1.8 מיליון מבקרים מדי שנה. (המיקום השני הוא וילה Getty בשכונת Pacific Palisades בלוס אנג'לס, קליפורניה.) סניף המרכז במוזיאון כולל ציורים אירופיים לפני המאה ה -20, רישומים, כתבי יד מוארים, פיסול ואמנות דקורטיבית ותצלומים משנות ה -30 עד היום מכל רחבי העולם. [4] [5] בנוסף, אוסף המוזיאון במרכז כולל פיסול חיצוני המוצג על טרסות וגנים והגן המרכזי הגדול שתוכנן על ידי רוברט ארווין. בין יצירות האמנות המוצגות ניתן למצוא את הציור של וינסנט ואן גוך אירוסים.

הקמפוס, שתוכנן על ידי האדריכל ריצ'רד מאייר, מכיל גם את מכון המחקר של גטי (GRI), את מכון השימור של גטי, את קרן גטי ואת קרן ג'יי פול גטי. עיצוב המרכז כלל הוראות מיוחדות לטיפול בחששות בנוגע לרעידות אדמה ושריפות.


חייו האישיים של ג'יי פול גטי

הצלחה זו הובילה לתשומת לב, ותשומת לב זו, ובמיוחד מהסוג הנשי, וגטי התחתנו בסך הכל שלוש פעמים במהלך שנות העשרים בלבד. אביו, שממנו צמחה הצלחתו העסקית, היה מוטרד מאוד מאופיו הנדוש של בנו, והשאיר לו רק חלק קטן מהונו של 10 מיליון דולר עם מותו. לא שזה משנה – גטי היה מולטי מיליונר בפני עצמו עד אז, והוריד אפילו את אביו.

עם זאת, רגע לפני מותו בשנת 1930, אביו של גטי ג'ורג 'צוטט באומרו כי פזיזות, הפכפכות ואובססיה של בנו יובילו בסופו של דבר להרס החברה שבנו יחד. ובכל זאת השקעות ממומנות ומיומנות עסקית ראו את גטי הצעירה פורחת. הוא ניצח את הסערה הפיננסית של השפל הגדול, ורכש חברות נפט משמן טיידווטר לתאגיד הפסיפיק ווסטרן נפט וגדל וגדל את עסקיו עד שהשתרע לא רק על אמריקה, אלא על הגלובוס.


אימפריית הנפט

לאחר סיום לימודיו חזר גטי לארצות הברית והחל לעבוד כפראי בר, ​​לקנות ולמכור חכירות נפט באוקלהומה. עד 1916, גטי הרוויח את מיליון הדולרים הראשונים שלו מבאר מצליחה, והוא התחבר עם אביו כדי לשלב את חברת נפט גטי. עם הונו החדש, פרש לזמן קצר לחיי פנאי בלוס אנג'לס, לפני שחזר לעסקי הנפט בשנת 1919.  

במהלך שנות העשרים, גטי ואביו המשיכו לצבור עושר באמצעות קידוחים ותיווך חכירה. כאשר ג'ורג 'נפטר בשנת 1930, קיבל גטי ירושה של 500 אלף דולר והפך לנשיא חברת אביו ונפט, אם כי אמו שמרה על השליטה.

בתפקידו החדש יצא גטי לבנות מחדש ולהרחיב את החברה לעסק עצמאי, שעשה הכל, החל מקידוחים ועד זיקוק ועד הובלת ומכירת נפט. הוא החל לקנות ולהשתלט על חברות אחרות, כולל   נפט פסיפיק ווסטרן, נפט סקלי ושמן גאות.   לאחר מלחמת העולם השנייה, גם Getty לקח סיכון על ידי השקעה של מיליונים באזור "אזור ניטראלי" בין כווית לסעודיה. ההימור שלו השתלם בשנת 1953, כאשר נפט נפגע והחל לזרום בקצב של 16 מיליון חביות בשנה.

בשנת 1957, הון עתק המגזין כינה את גטי לאיש העשיר ביותר בעולם. עשר שנים מאוחר יותר, הוא איחד את האינטרסים העסקיים שלו בחברת נפט Getty, ובאמצע שנות השבעים הוערך שבנה הון אישי של 2 עד 4 מיליארד דולר.


הווילה ג'יי פול גטי נבנה אך לא ראיתי

למרבה האירוניה, ג'יי פול גטי מעולם לא ראה את וילת גטי. הוא מת שנתיים לאחר שהמוזיאון שלו נפתח לציבור בינואר 1974 בבניין חדש שעוצב על פי בית פאר רומאי עתיק. רק לאחר מותו של גטי ביוני 1976 חזר מאחוזה שלו באנגליה ל"חווה "שלו בחוף האוקיינוס ​​השקט: הוא קבור שם בקצה הנכס במגרש פרטי המשקיף על האוקיינוס, לצד הבכור שלו הבנים הצעירים ביותר, ג'ורג 'וטימותי, שניהם קדמו לו.

לאחר שיפוץ והתקנה מחדש של הגלריות, וילת גטי פותחת פרק חדש בהיסטוריה שלה. למרות שגטי מעולם לא העיף את יצירתו, הסיפור על איך בנה את הווילה והרכיב את האוסף שלו חודר לגלריות גם היום. סוויטה של ​​חדרים משופצים - גלריות 105 עד 108 - חולקים היסטוריה זו. מציג יצירות אמנות עתיקות גטי קנה את עצמו יחד עם מסמכים ארכיוניים, התצוגות החדשות מציבות את החפצים בהקשרים התרבותיים שלהן ושופכות אור על היחס האישי של גטי למוזיאון ולמקום מנוחתו הסופי.

מבית ראנץ 'ועד וילה עתיקה

גטי רכש את החווה בגודל 64 דונם-פעם חלק מחוות ראנצ'ו בוקה דה סנטה מוניקה, מענק קרקעות מקסיקני בתחילת המאה התשע-עשרה דונם-ממש לאחר תום מלחמת העולם השנייה, בכוונתו היה מקום מפלט בסוף השבוע שבו אשתו החמישית תיאודורה ("טדי") יכול לרכב על סוסים והוא יכול להציג את אוסף האמנות הגדל שלו.

בית החווה לפני השיפוץ, בין 1920 ל -1945. מכון המחקר של גטי, הארכיון המוסדי

הוא הכיר היטב את האזור, שכן הוא כבר היה בעל בית קטן על החוף בסנטה מוניקה הסמוכה, במרחק צעדים ספורים מהמתחם השרוע שחברו והאספן היריב וויליאם רנדולף הרסט בנה עבור השחקנית מריון דייויס. (אחוזת דייויס היא כיום בית החוף הקהילתי אננברג, בעוד שבית החוף של גטי הוחלף במתחם דירות מודרני גדול, 270 Palisades Beach Road.)

לאחר רכישת הנכס, שיפצה גטי את "בית החווה" הנמוך, והוסיף סיפור שני וכמה מאפיינים בסגנון ספרדי. למרות שגטי עזב את ארצות הברית לצמיתות בשנת 1951, והשאיר את טדי ובנם טימי מאחור, הוא המשיך למלא את בית החווה ביצירות אמנות, ובשנת 1954 הוא פתח אותו לציבור כמוזיאון ג'יי פול גטי.

גלריית עתיקות גדולה בבית החווה גטי בין השנים 1957-1974. בקצה הרחוק של הגלריה ניצב הרנס של לאנסדון. מכון המחקר של גטי, הארכיון המוסדי

עם הזמן הוא הוסיף לבניין כדי להתאים לאוסף הגדל שלו, ובסוף שנות השישים היה עליו להרחיב עוד יותר. האדריכלים של גטי העלו מספר הצעות במגוון סגנונות - ספרדית, אירופאית ומודרנית - שכולם דחו. בסופו של דבר, הוא החליט לבנות העתק של וילה דיי פפירי העתיקה בהרקולנאום, אשר נקברה בהתפרצות הר וזוב בשנת 79 לספירה.

היסטוריה עתיקה ומודרנית נפגשים

בכמה גלריות שהותקנו מחדש בקומה הראשונה של וילה גטי יש חפצים המדברים את ההיסטוריה העתיקה והמודרנית שלהם. גלריה 105, הידועה בשם אולם הגולות הצבעוניות, נשלטת על ידי פסל שיש של ונוס. גטי הודה כי הוא "נהנה מחברת נשים", וכאשר נפתחה הווילה לראשונה בשנת 1974 הוקדשה גלריה שלמה לתמונות של אלת האהבה.

כאשר תכננו את התצוגה החדשה, החלטנו אפוא שהראשון מתוך שני ויטרינים מובנים בגלריה זו יתמקד בייצוגים של ונוס באמצעי תקשורת שונים: טרקוטה, שיש וברונזה. החפץ הקטן ביותר במקרה, ראש ארד מעובד דק של האלה, שהוצמד פעם לדמות גדולה יותר, יוצא דופן לשימור עגיל זהב עם פנינה אחת. פנינים זכו להערכה רבה בעת העתיקה, כפי שהם כיום, וגרמו למחירים עצומים.

החפץ הגדול ביותר במקרה, קבוצת טרקוטה של ​​א אישה שוכבת על ספה עם קופידונים, עדיין מסקרן יותר. זוהי "העת העתיקה" הראשונה שרכשה גטי. בשנת 1939, כשהיה ברומא מחזר אחרי טדי, שלמד להיות זמר אופרה, הוא הגיש מספר הצעות נפקדות על פריטים שנמכרו מאוסף אצולה בלונדון. הוא התעניין במיוחד בשטיחי השטיח, אך באותו דף בקטלוג המכירות הפומביות כמו כמה מהאובייקטים שהוא הכי רוצה הוא הרישום של הטרקוטה הזו. זה היה קשור לדומים שנמצאו באתר הטנגרה היווני בסוף המאה התשע עשרה. יצירות אמנות אלה היו פופולריות בקרב אספנים בשל חיוניות יצירותיהם והתובנות שנדמה כי הם מספקים לחיי היומיום בעולם העתיק.

פסלון של אישה ששוכבת על ספה עם קופידונים, 1875–90, כנראה תוצרת יוון. טרקוטה, פיגמנט וזהב, 7 5/16 × 10 5/8 × 4 5/16 אינץ 'מוזיאון ג'יי פול גטי, 78.AK.38. תמונה דיגיטלית באדיבות תוכנית התוכן הפתוח של Getty

פירוט העותק האישי של ג'יי פול גטי של קטלוג הפריטים של מכירת המכירות הפומביות של סותביס מבית קאם האוס, לונדון. מכון המחקר של גטי

כמו כל הרכישות שלו, גם גטי היה ערמומי וחיפש להשיג את המחיר הטוב ביותר האפשרי. אבל קטלוג המכירות הפומביות שלו, שהתגלה מחדש באוספי ספריית מכון המחקר של גטי על ידי עוזרת האוצרות לשעבר של מוזיאון גטי לור מארסט-קאפי (כיום אוצרת אמנות יוונית ורומית במוזיאון לאמנות, בוסטון) מגלה כי לגטי עצמו היו ספקות באשר לאמינותו. בשוליים מתחת לערך הוא כתב, "מודרני?" הטרקוטה השתייכה לאוסף אנגלי מכובד, כך שגטי הייתה מוכנה לקחת סיכון. הצעתו הנמוכה בסך 10 ליש"ט ניצחה, אך העת העתיקה הראשונה שלו התבררה כאל עתיקה כלל.

היסטוריה בתצוגה

סיפור זה ואחרים על ג'יי פול גטי ועל צמיחת אוספיו מסופרים בתצוגה חדשנית בגלריה 107. בניית ההתקנה המתמשכת ג'יי פול גטי: חיים ומורשת במרכז גטי, תוכנית אינטראקטיבית זו, המותקנת לצד כמה מהפסלים העתיקים האהובים על גטי, מאפשרת למבקרים לחקור מאות תצלומי ארכיון, מפות, גרפים ומשאבים אחרים הנוגעים למשפחתו, לעסקים, לטיולים, לפיתוח האוספים שלו, להחלטה לבנות את הווילה, ומורשת מתמשכת.

הרקולס לנסדון, בערך 125 לספירה, רומאי. שיש, 76 3/16 × 30 1/2 × 28 3/4 אינץ 'מוזיאון ג'יי פול גטי, 70.AA.109. בתמונה במקדש הרקולס (גלריה 108).

גלריה 108, הידועה בשם מקדש הרקולס, מופיעה בינתיים כמו לפני ההתקנה מחדש, אך כעת היא כוללת תאורה משופרת ומבודד סיסמי קטן מתחת לפסל המפורסם של הרנס לנסדון. שינוי זה מאפשר ליותר מרצפת השיש הפוליכרום הנהדרת להראות שזה העתק של אחד הממצאים הראשונים של חפרים היטב שגילו את וילה דיי פפירי בשנת 1750. הווילה העתיקה היא עצמה מוקד של קוביקול שהותקן לאחרונה ממש ליד האטריום. , גלריה 101C, וזו תתקיים תערוכת הלוואות בינלאומית בקיץ 2019.

למרות שגטי מעולם לא ביקר בוילה שלו, מורשתו ממשיכה להימשך. החל מבחירותיו האדריכליות ועד החפצים שאסף, ההיסטוריה של המאה העשרים שלו משתלבת עם ההיסטוריה של ימי קדם, ומניבה סיפורים שכובשים אותנו גם היום.


סיור וירטואלי במוזיאון גטי

התעלה הגדולה בוונציה מפלאצו פלנגיני עד קמפו סן מרקולה ” מאת קנלטו

התעלה הגדולה בוונציה מפלאצו פלאנגיני לקאמפו סן מרקולה וקאנו סן מרקולה צוירה בשנת 1738.

קומפוזיציה זו נקראת veduta (איטלקית עבור “view ”), כלומר ציור מפורט מאוד, בדרך כלל בקנה מידה גדול של נוף עירוני או נוף אחר.

ציור סוכן זה מתאר את מרחבי התעלה הגדולה בוונציה, איטליה, ליד הכניסה לתעלת קנרג'יו. ציורי ונדוטה היו פופולריים בקרב התיירים העשירים לוונציה באמצע שנות ה -1700.

“ רומא המודרנית – קמפו וואצ'ינו ” מאת J.M.W. חָרָט

רומא המודרנית - Campo Vaccino ” מאת J.M.W. טרנר הוא חזון נוף של הפורום הרומי הלא נחפר, שעדיין נקרא "קמפו וואצינו" ומשמעותו#מרעה פרות,#8221 מנצנצים באור מעורפל.

עשר שנים לאחר מסעו האחרון לרומא, טרנר חזה את רומא מזכרו. כנסיות ומונומנטים עתיקים בפורום הרומי וסביבו מתמוססים בצבעים עזים.

האור מהירח עולה משמאל. השמש שוקעת מאחורי גבעת הקפיטולינה מימין.

“ אירוסים ” מאת וינסנט ואן גוך

“ אירוסים ” הוא אחד מכמה ציורים של ‘ אירסים ’ מאת וינסנט ואן גוך ואחד מסדרת ציורים שצייר בבית המקלט בסן רמי, צרפת, בשנה האחרונה לפני מותו.

בשנת 1889 לאחר מספר פרקים של מום עצמי ואשפוז, בחר ואן גוך להיכנס לבית מקלט. שם, בשנה האחרונה לפני מותו, הוא יצר למעלה מ -120 ציורים.

זמן קצר לאחר שנכנס לבית המקלט, ואן גוך התחיל באירוסים, שעבד מהטבע בגינת המקלט. הוא התקשר לציור "מנצח הברקים בגלל מחלתי" כי הוא הרגיש שהוא יכול למנוע מעצמו להשתגע על ידי המשך הצביעה.

“ לאחר האמבטיה, אישה מייבשת את גבה ” מאת אדגר דגה

לאחר האמבטיה, אישה המייבשת את גבה מאת אדגר דגה היא הדפסה של מתרחצת כורעת על כיסא מכוסה במגבות כשהיא מקשתת את גבה על משענת הכיסא כאילו להרים משהו בידה הימנית. .

הדפסה זו היא חלק מסדרת צילומים, הדפסים, רישומים, רישומים מקדימים בפסטלים ושמנים של דגה מתקופה זו המתארת ​​נשים במהלך תהליך הרחצה.

דגס השתמש לעתים קרובות ברישומים וצילום כצעד מקדים לחקר האור והקומפוזיציה לציוריו. עבודה זו היא חלק מסדרה המתארת ​​נשים, כמו בדוגמה זו, בעמדות מביכות ולא טבעיות.

דגה אמר שהוא מתכוון ליצור תחושה אצל הצופה אם תסתכל דרך חור מנעול. ”

ערימות חיטה, אפקט שלג, בוקר ” מאת קלוד מונה

ערימות חיטה, אפקט שלג, בוקר ” מאת קלוד מונה הוא חלק מסדרה של ערימות של חיטה שנקטפה. הסדרה מורכבת מעשרים וחמישה קנבס, שאותם החלה מונה בסמוך לסוף קיץ 1890, ולמרות שמונט ייצרה גם ציורים קודמים תוך שימוש באותו נושא הערימה.

הסדרה האימפרסיוניסטית מפורסמת בזכות האופן שבו חזרה מונה על אותו נושא כדי להציג את האור והאווירה השונים בזמנים שונים של היום, לאורך כל עונות השנה, ובסוגים רבים של מזג אוויר.

סדרת ערימות הייסט של Monet ’ היא אחת המוקדמות ביותר שלו שהסתמכו על חזרה על נושא כדי להמחיש הבדל עדין בתפיסת הצבעים על פני וריאציות של שעות היום, עונות השנה ומזג האוויר.

“ דיוקן הלברדייה ” מאת פונטורמו

“ דיוקן של הלברדייה ” מאת פונטורמו מתאר צעיר שעומד לפני קיר מבצר, אוחז ברד.

האלברד הוא נשק מוט בידיים שהגיע לשימוש בולט במהלך המאות ה -14 וה -15, ולחיילים שהשתמשו בנשק קראו הלברדירים.

זהותו של האדם אינה מוחלטת, אולם רישומי פלורנטין ציינו כי במהלך המצור על פירנצה בשנת 1528 צייר הפונטורמו דיוקן של אציל צעיר בשם פרנצ'סקו גווארדי כחייל.

“Spring ” מאת אדוארד מאנט

אביב מאת אדוארד מאנה מתאר את השחקנית הפריזאית ז'אן דמרסי בשמלת פרחים עם שמשיה ומכסה על רקע של עלים שופעים ושמים כחולים, כהתגלמות האביב.

היא מצטיירת ומביטה היישר קדימה, תמונת ניתוק למרות שהיא נראית מודעת לחלוטין למבטנו.

ציור זה היה הראשון מתוך רביעייה מתוכננת של יצירות אלגוריות בהן השתמשו נשים פריזאיות אופנתיות כדי לתאר את ארבע העונות. הרעיון היה לייצר סדרת עונות המתאפיינות באידיאלים עכשוויים של נשים, אופנה ויופי.

הסדרה מעולם לא הסתיימה, ומאנט מת שנה לאחר שהשלים רק את השנייה בסדרה, סתיו.

קורוס היוונית (מוזיאון גטי)

הקורוס היווני הזה במוזיאון גטי הוא פסל שיש בגודל גדול מדי של צעיר עירום נטול זקן בתנוחה מתקדמת.

המונח המודרני kouros (ריבוי kouroi) ניתן לפסלים יווניים עתיקים העומדים בפני עצמם המופיעים לראשונה בתקופה הארכאית ביוון העתיקה ומייצגים צעירים גברים עירומים. ביוונית עתיקה kouros פירושו “ צעיר, ילד, במיוחד בדרגה אצילה. ”

פסלים כאלה נמצאים ברחבי העולם דובר היוונית. רוב הסוג הזה נמצאו במקדשי אפולו.

“Spring ” מאת לורנס אלמה-טדמה

“Spring ” מאת לורנס אלמה-טדמה מתאר את פסטיבל Cerealia ברחוב מרובע שיש קלאסי רומאי. בדת הרומית העתיקה, Cerealia היה הפסטיבל המרכזי שנחגג עבור אלת התבואה סרס.

הוא התקיים במשך שבעה ימים מאמצע עד סוף אפריל, וציור זה מציג תהלוכה של נשים וילדים היורדים במדרגות שיש נושאות ולובשות פרחים בצבעים עזים.

צופים מריעים ממלאים את כל נקודות התצפית של הבניינים הרומיים הקלאסיים.

סקרנותו של טאדמה לגבי העולם העתיק של יוון ורומא לא הייתה שובעת, וידעו משולב בציור זה באמצעות פרטים אדריכליים, לבוש, פיסול וקישוטים המבוססים על מקורות רומאיים.

“ דיוקן של אדם ” מאת פאולו ורונס

“ דיוקן של אדם ” מאת פאולו ורונס מתאר אדם נשען על בסיס מבנה עם עמודים. בנישה בין העמודים נמצא פסל שיש של דמות עטופה, שרק החלק התחתון נראה ממנו.

זהותו של האיש הזה היא בגדר תעלומה, אולם הרמזים בציור עשויים להתייחס למקצוע של הנושא, אולי של פסל או אדריכל.

“Euclid ’ מאת ג'וספה דה ריברה

אוקלידס מאת ג'וספה דה ריברה, מתאר את אביו של הגיאומטריה, ” המגיח מתוך הצללים מאחורי שולחן. מוצג כמלומד חגיגי המציג את ספרו השחוק עם דמויות גיאומטריות שונות ודמויות פסאודו-יווניות.

דה ריברה מיקד את כל כישוריו לפרטי הפנים של הגבר, החל מהזקן הלא מסודר ועד קמטים של מצחו וקפלי העפעפיים מעל עיניו הכהות.

מתואר כאדם עם בגדים מרופטים ואצבעות מושחרות ומלוכלכות להדגשת מסירותו של אוקלידס לעיסוקים האינטלקטואליים, ולא החומריים.

ונוס ואדוניס ” מאת טיטיאן

ונוס ואדוניס ” מאת טיטיאן מתארת ​​את ונוס מנסה לרסן את אהובה אדוניס מלצוד. כלביו מתאמצים על הרצועות שלהם, מהדהדים את חוסר סבלנותו, כפי שמפורט במטאמורפוזה של אוביד.

קופידון ישן ברקע, סמל להתנגדות של אדוניס לחיבוק ונוס. הסיפור מתאר כיצד בוקר אחד כאשר וונוס יוצאת במרכבתה השמיימה, כלבי ציד אדוניס מעוררים חזיר בר, המסתובב עליו.

ונוס שומעת את גאוניה של אדוניס, מזנקת ממרכבה, ומוצאת אותו גוסס. מדמו של אהובה, היא יוצרת פרח שביר שעלי כותרתו פזורים ברוח, ושמו כלנית ’ פרח רוח ’ ביוונית.

“ דיוקן מרקיז דה מירמון ” מאת ג'יימס טיסו

“ דיוקנו של מרקיז דה מירמון ” מאת ג'יימס טיסו מתאר את המרקיז כשהוא לבוש פיגונר בצבע ורוד ומעופף. סביב צווארה צעיף תחרה שחור וצלב כסוף.

מאחוריה מסך יפני אופנתי המתאר מנופים על רקע זהב, ועל עמדת הזרוע כמה קרמיקה יפנית.

שרפרף לואי ה -16 וחזה הטרקוטה מעידים על מעמדה האציל. ציור זה הוצג ביריד העולמי בפריז. תרזה פיילאנט (1836 - 1912) ירשה הון מאביה, ובשנת 1860 נישאה לרנה דה קסניה דה בופור, מרקיז דה מירמון.

רחוב מוסנייר לבוש בדגלים ” מאת אדוארד מאנט

רחוב מוסנייר הלבוש בדגלים ” מאת אדוארד מאנה מתאר רחוב פריזאי, מעוטר בדגלי צרפת לחג הלאומי הראשון, שהתרחש ב -30 ביוני 1878. הוא נקרא “Fête de la Paix, ” או באנגלית, “ חגיגת השלום. ”

את רחוב מוסנייר, שנקרא כיום רחוב דה ברן, ניתן לראות מהאולפן של מאנט במס '4 ברחוב סן פטרסבורג. בד זה מציג את הנוף הנשקף מחלון הקומה השנייה שלו, כאשר דגלי טריקולור תלויים מהמבנים לאורך הכביש.

מאנט תפס את אחר הצהריים של החג במחצית העליונה של ההרכב בהרמוניה פטריוטית של האדומים, הלבנים והכחולים של הדגל הצרפתי שהתנופף לאורך הרחוב.

בחציו התחתון של הקומפוזיציה איש רגל אחת על קביים, אולי פצוע ותיק במלחמת צרפת-פרוסיה. כמו כן, בחלק התחתון נמצא אדם הנושא סולם, ומשמאל גדר המעכבת את ההריסות מעבודות בנייה.

הרחוב העירוני היה נושא לעניין של ציירים אימפרסיוניסטים ומודרניסטים. מאנט שיקף את השינוי והצמיחה של העידן התעשייתי וכיצד הוא השפיע על החברה.


מקורותיו העתיקים של כתר הפרחים

כתר הפרחים הוא כיום אביזר אופנתי שם נרדף לחוגגי קוצ'לה וכלות בוהו, אך הוא אינו חדש: לבישת עלים ופרחים ככובע ראש יש היסטוריה עשירה עוד עוד מהעולם הקלאסי העתיק.

מאז ימי קדם, צורתו העגולה או הפרסה של הזר הייתה סמל לתפארת, עוצמה ונצח. ביוון העתיקה וברומא כתרים רבים עשויים מצמר ועלווה כגון עלי הדס וקיסוס, ועטרו אותם בפרחים שונים, שהחזיקו אסוציאציות שונות לאורך זמן.

אלים ואלות קדומים יוצגו לעתים קרובות באמנות ובספרות כשהם עונדים צמחים ספציפיים המוקדשים להם. אצל אובידס מטמורפוזה, הנימפה היפה דפנה מצליחה להימלט מרודפתה, האל אפולו, על ידי הפיכתה לעץ דפנה. אפולו חותך ענף מהעץ וקורא, "למרות שאת לא יכולה להיות אשתי, לפחות את תהיי העץ שלי אני תמיד אלבש אותך על השיער שלי, על הרטט שלי, הו לורל." (557–559). הוא עומד במילה שלו, וכתוצאה מכך הוא מתואר לעתים קרובות כשהוא עונד זר דפנה כסמל לאהבתו לדפני. אפולו הוא אל המשוררים והסופרים, והמושג זוכה משוררים בו אנו משתמשים כיום מגיע ממיתוס זה.

עלי צפצפה לבנים נקשרו להרקולס, שלפי המסורת ייבא את העץ לאולימפיה מצפון מערב יוון.

הרקולס עונד זר. פסל הרקולס, לספירה 100–199, רומאי. שיש עם פוליכרומיה, בגובה 46 אינץ '. מוזיאון ג'יי פול גטי, 73.AA.43.1. תמונה דיגיטלית באדיבות תוכנית התוכן הפתוח של Getty

היוונים הקדמונים הציגו לראשונה את הכתר כגמול כבוד למנצחים בתחרויות אתלטיות, צבאיות, פואטיות ומוזיקליות. לדוגמא, המשחקים הפיתיים נערכו בדלפי כל ארבע שנים לכבוד אפולו, והזוכים קיבלו באופן מסורתי זר דפנה. עץ הדפנה יליד אזור הים התיכון, והוא עמד כסמל חשוב לניצחון, להישג ולמעמד.

זרי זית הוענקו גם לזוכים בתחרויות אתלטיות, כמו הצעיר העירום המוצג להלן. עצי זית פראיים צמחו באולימפיה שבה התקיימו המשחקים האולימפיים, וזרי זיתים ניתנו כפרסים למנצחים במשחקים אלה. יתכן שהוא רץ, מתאבק או מרים משקל, המכתיר את עצמו או מסיר את הזר כדי להקדיש אותו לאלים כסימן לאדיקות.

צעיר שהכתיר את עצמו בזר זית. פסל של נוער מנצח, 300–100 לפנה"ס, יווני, ארד עם פטמות נחושת משובצות, בגובה 59 5/8 אינץ '. מוזיאון ג'יי פול גטי, 77. AB.30. תמונה דיגיטלית באדיבות תוכנית התוכן הפתוח של Getty

הסמליות של זר הדפנה שורדת עד היום. הוא הופיע באופן בולט בעיצוב המדליות לאולימפיאדת ריו 2016, למשל.

הרומאים הקדמונים המשיכו במסורת הכתר כפרס על ניצחון. הם הלבישו את מנהיגיהם ואנשי הצבא שלהם בכתרים עשויים דפנה, אלון או הדס. כתר הדשא או corona obsidionalis היה הכבוד הצבאי הגבוה ביותר, שהוענק על ידי צבא נצור לגנרל ששחרר אותם. הוא היה עשוי עשב, עשבים שוטים ופרחי בר שנאספו במקום בו הותקף הצבא.

פרופיל של גבר חובש זר דפנה, שהצביע על כך שסביר שהוא בדרגה צבאית גבוהה. קמאו, 1700-1800, אירופאי. מוזיאון ג'יי פול גטי, 83. AL.257.15, נחלת אלי ג'דה. תמונה דיגיטלית באדיבות תוכנית התוכן הפתוח של Getty

כתרי פרחים נלבשו גם לחגיגות וחגיגות, ממש כמו היום הם היו נהוגים באירועים כמו קורבנות לאלים וחגים. בתיאורים של גברים יוונים בסימפוזיונים (מסיבות שתייה אריסטוקרטיות) אנו רואים לעתים קרובות דמויות עונדות זרים. הם האמינו שקשירת פילה חזק סביב ראשיהם יכולה להקל על השתכרותם - אם כי משתתפי הפסטיבלים של היום עשויים שלא להסכים. אלה יוצרו במקור מצמר אך מאוחר יותר מעוטרים בפרחים ובעלי כותרת משושנים, סיגליות, הדס ופטרוזיליה.

גביע יין עם נוער וגבר, 450–440 לפני הספירה, המיוחס לצייר Euaion. טרקוטה, 15 אינץ 'בקוטר. מוזיאון ג'יי פול גטי, 86. AE.682. תמונה דיגיטלית באדיבות תוכנית התוכן הפתוח של Getty

ברומא התקיים פסטיבל פלורליה לכבוד פלורה, אלת הפרחים, הצמחייה והאביב-כך שאין זה מפתיע ששיסוי ראש עשוי עלי כותרת מפרחים וגפנים שזורים היה אביזר החובה. בייצוג זה של פסל של פלורה, היא מתוארת כשהיא מחזיקה את כתר הפרח שלה.

פסלון פלורה Farnese, 1871, וויליאם צ'אפרס. סוג עץ, 4 3/4 × 3 11/16 אינץ 'מוזיאון ג'יי פול גטי, 84.XB.935.23.3.83. תמונה דיגיטלית באדיבות תוכנית התוכן הפתוח של Getty

באירופה חגג מאוחר יותר את הפסטיבל הדתי הזה כיום המאי החילוני. בציור של עלמה-טדמה אביב, האמן מייצג את החגיגה הזו ואת המסורת של שליחת ילדים לאסוף פרחים ביום הראשון של מאי. תהלוכה של נשים וילדים עונדת כתרים פרחוניים צבעוניים ונושאת סלי פרחים. אלמה-תדמה הייתה אובססיבית לעולם הקדום, והוא אף הציב את החגיגה הוויקטוריאנית הזו ברומא העתיקה והדמיונית.

תהלוכה של נשים וילדים עונדות כתרי פרחים בצבעים עזים. אביב, 1894, לורנס אלמה-טדמה. שמן על בד, 70 1/4 × 31 5/8 אינץ 'מוזיאון ג'יי פול גטי, 72.PA.3. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Although the flower crown was popular in the ancient world, as Christianity spread it fell out of favor due to its association with pagan festivals. But it made a comeback in Renaissance art, as artists and scholars looked again to the classical past for inspiration.

In modern times we often see flower crowns used as a reminder of the ancient Mediterranean world. As just one example, German photographer Baron Wilhelm von Gloeden used the flower crowns in portraits he created of in Sicily, as a symbol of his subjects’ ancient heritage.

A boy wearing a lily wreath. Boy with Lillies, about 1890–1914, Baron Wilhelm von Gloeden. Toned gelatin silver print, 8 3/8 × 6 1/4 in. The J. Paul Getty Museum, 84.XM.631.12. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Even the bridal crown, it turns out, has ancient roots. The Roman bride would wear a crown made of verbena that she herself had picked. In modern times, Queen Victoria made the practice fashionable by wearing a crown of orange blossoms in her hair on her wedding day to prince Albert on February 10, 1840. It was also during the Victorian era that interest in “floriography” rose, with women often depicted wearing flowers to communicate a personal attribute. The orange blossom, for example, is a symbol of chastity.

Portrait of a Bride with Orange Blossoms, 1907 – 1943, Louis Fleckenstein. Gelatin silver print, 9 7/16 x 7 in. The J. Paul Getty Museum, 85.XM.28.275. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program.

Today the trend of wearable fronds and flowers continues in a variety of ways—as a symbol of victory, celebration, love, romance, or femininity, whether you’re wearing a wreath to a festival or donning a digital version on Snapchat.

Want to try it for yourself?

Try it at home with these YouTube tutorials.

לקריאה נוספת

A few good sources for delving deeper into the historical roots of the flower crown:


Ewan McGregor, 50, welcomes secret baby boy - and daughter lets slip the name

Hancock's wife �ook pals with mistress & thought marriage was happy'

עקוב אחר השמש

שירותים

& copyNews Group Newspapers Limited Limited באנגליה מס '679215 משרד רשום: London Bridge Street 1, לונדון, SE1 9GF. "The Sun", "Sun", "Sun Online" הם סימנים מסחריים רשומים או שמות מסחריים של News Group Newspapers Limited. שירות זה ניתן בתנאים וההגבלות הסטנדרטיים הסטנדרטיים של News Group Newspapers 'Limited בהתאם למדיניות הפרטיות והעוגיות שלנו. כדי לברר לגבי רישיון לשחזור חומרים, בקר באתר הסינדיקציה שלנו. צפה בחבילת העיתונות המקוונת שלנו. לשאלות נוספות, פנה אלינו. כדי לראות את כל התוכן ב- The Sun, אנא השתמש במפת האתר. אתר סאן מוסדר על ידי ארגון התקנים העצמאים (IPSO).


Press Release

J. PAUL GETTY MUSEUM ACQUIRES MAJOR 19 th -CENTURY LANDSCAPE PAINTING

BY ITALIAN ARTIST GIOVANNI SEGANTINI

The lush mountain scene was commissioned for American collector Jacob Stern

and was on public view in San Francisco for more than 70 years

Spring in the Alps, 1897
By Giovanni Segantini

On view at the Getty Museum, Getty Center, Los Angeles beginning February 12

LOS ANGELES – The J. Paul Getty Museum announced today the acquisition of Spring in the Alps, 1897, by Giovanni Segantini (Italian, 1858-1899). Originally painted for Jacob Stern, a San Francisco collector and director of Levi Strauss & Co, the painting has a long connection to California. It was on continuous loan to Legion of Honor in San Francisco from 1928 until it was sold by Stern’s descendants in 1999.

“Giovanni Segantini was at the peak of his career when he created this luminous panoramic scene,” said Timothy Potts, director of the Getty Museum. “Featuring his characteristic thick brushstrokes and brilliant color palette—which includes flecks of gold leaf—the painting is among the most extraordinary and captivating landscapes produced in Europe at the end of the 19th century. It will resonate powerfully alongside our great Impressionist and Post-Impressionist works from France and paintings by northern European artists of the era. Significantly, with this acquisition, Spring in the Alps finds a permanent public home in California, its original destination, and we hope museum-goers from San Francisco, where it was on view for more than 70 years, will visit the painting at the Getty when they are in Los Angeles.”

At more than four by seven feet, Spring in the Alps is a monumental, sweeping depiction of an alpine landscape near the village of Soglio in Switzerland, with its recognizable church tower visible on the right side of the picture. The view is of an expansive plateau and valley ringed by glaciers and majestic snow-capped mountains. In the middle of the composition a farm woman dressed in a blue and red peasant costume characteristic of eastern Switzerland leads two large horses past a watering trough. They are coming from a freshly plowed field where a sower scatters seeds and a black and white dog stands guard. The scene is sunny and colorful, emphasizing a glorious vista with a brilliant blue sky and ribbons of clouds.

Segantini painted the sizeable canvas in the open air, with additional work completed in the studio. He took liberties with the topography to suit his composition, adjusting the relative scale of the mountains, the perspective of the valley, and the position of the town. He created the vibrant color scheme and brilliant effects of light following the principles of Divisionism, the practice of juxtaposing pure local colors in the belief that the hues mix optically in the eye of the viewer, creating especially luminous effects. This pseudo-scientific movement in painting was first launched in France in the 1880s by George Seurat and Paul Signac, where it was dubbed “Neo-Impressionism.” The movement was subsequently adopted by Italian painters, with Segantini becoming a principal exponent. In contrast to Seurat’s pointillist brushstrokes, Segantini employed long, thin strokes of contrasting color. The rich impasto and the tactile, almost woven, quality of the painted surface, marvelously capture the crisp transparency of the atmosphere, the harshness of the rocks, the thickness of the grass, and the roughness of the skin of the animals.

Spring in the Alps is a joyous hymn to the cycle of life and the reawakening of nature in spring after a long, hard winter,” said Davide Gasparotto, senior curator of paintings at the Getty. “It is an extraordinarily accomplished work where symbolism and naturalism are inextricably intertwined. Segantini himself counted it among his absolute masterpieces. Panoramic in scale and astonishingly luminous, Spring in the Alps is one of the greatest paintings of the Italian Ottocento in America, an iconic work that expands our ability to tell the story of 19th-century European painting.”

Spring in the Alps was commissioned by the American painter Toby E. Rosenthal (1848-1917), who resided in Munich, for San Francisco businessman and collector Jacob Stern (1851-1927), whose father, David Stern, co-founded Levi Strauss & Co. Segantini exhibited the picture at the 7th Munich Secession in 1897 and then took the painting back to his studio in Switzerland where he made further adjustments. In early 1899 the picture was sent to San Francisco to be the centerpiece of Stern’s collection. It was so well known even then, that the painting’s rescue from the 1906 earthquake and fire was reported in the national press. Upon Stern’s death in 1927, and in accordance with his wishes, Spring in the Alps was loaned by his heirs to the California Palace of the Legion of Honor. There it stayed on public view for more than 70 years. In 1999 the estate of Stern’s heir sold the picture at auction in New York.

Born in Arco (Trento) in 1858, Giovanni Segantini counts among the most important Italian artists of his generation. He was internationally famous for his dreamy Alpine landscapes, which combine elements of Jean-François Millet’s reverent naturalism with Georges Seurat’s dappled Divisionist technique and the allegorical subjectivity of the work of contemporary Symbolists, from Gustav Klimt to Paul Gauguin. Segantini&rsquos work represents the transition from traditional nineteenth-century art to the changing styles and interests of the twentieth century.

Orphaned as a boy, Segantini was apprenticed to a photographer in Milan, where in 1873 he began attending night classes at the Brera’s Academy of Fine Arts. In the early 1880s, on the advice of the painter-dealer Vittore Grubicy de Dragon, he experimented with plein-air painting during an extended visit to the Brianza region. Marketed by Grubicy, with whom Segantini signed an exclusive contract in 1883, the resulting landscapes attracted international attention and quickly made their author’s fortune. Segantini settled in the picturesque Swiss valley of the Engadine, where he painted views of the surrounding mountains for the rest of his career, often carting his enormous canvases out into the elements to work directly from nature. Despite his somewhat remote location, Segantini kept abreast of the contemporary art scene, maintaining a lively correspondence with Gustav Klimt, Max Liebermann, and others, while his work was exhibited in London, Amsterdam, Paris, and Munich.

In 1897, Segantini was commissioned by a group of local hotels to build a huge panorama of the Engadin valley to be shown in a specially built round hall at the 1900 Exposition Universelle in Paris. Before it was completed, however, the project had to be scaled down for financial reasons. Segantini redesigned the concept into a large triptych known as Life, Nature, and Death (Museo Segantini, St. Moritz), which is now his most famous work. Eager to finish the third part of his large triptych, טֶבַע, Segantini returned in 1899 to the mountains near Schafberg. The pace of his work, coupled with the high altitude, affected his health, and in mid-September he became ill with acute peritonitis. Two weeks later he died at the age of 41. Two years later the largest Segantini retrospective to date took place in Vienna. In 1908, the Museo Segantini was established in St. Moritz, Switzerland.

Spring in the Alps joins another important work by Segantini in the Getty Museum’s collection, Study for “La Vita” (1897), a large pastel that parallels the painting’s composition and is dedicated to his friend Toby Rosenthal, who facilitated the commission of Spring in the Alps from Jacob Stern. In excellent condition, Spring in the Alps comes to the Getty in the elaborate frame that the artist originally designed for it. It will be put on exhibition in the Museum’s West Pavilion on February 12th, alongside other works of art from 19th century Europe.


The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

מוזיאון ג'יי פול גטי collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum’s mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


Press Release

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs will be exhibited Alongside Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium

LOS ANGELES – From 1973 to 1984, Samuel J. Wagstaff Jr. (American, 1921-1987) assembled one of the most important private collections of photographs in the world. With more than 26,000 objects, the collection spans the experimental beginnings of photography in the nineteenth-century to the works of artists active in the 1970s and 1980s. In 1984 Wagstaff sold his collection to the J. Paul Getty Museum, and thirty-two years later it remains the Museum’s single largest holding of art from one source. The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs, on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center, features a selection of works from Wagstaff’s collection, offering a look at how his broad and idiosyncratic tastes helped to expand the photographic canon.

“The acquisition of Samuel Wagstaff’s collection of photographs in 1984 was a landmark event in the Museum’s short history,” explains Timothy Potts, director of the J. Paul Getty Museum. “In one move, the Getty became the custodian of one of the most important private collections of photographs in the world, thus setting the stage for the Museum to become, as it since has, one of the preeminent public photographic collections of the world. Wagstaff’s eye for quality and voracious appetite for collecting, ranging from Fox Talbot, Nadar and Man Ray to Lange, Arbus and Hujar, set him apart from his peers and fueled his reputation as a connoisseur and taste-maker in photography as a art form—a status that was still not yet universally acknowledged. This exhibition is the first to give Wagstaff’s critical role in photographic history its due."


Mrs. Herbert Duckworth, 1867. Julia Margaret Cameron (British, born India, 1815 - 1879). Albumen silver print. 34 x 24.9 cm (13 3/8 x 9 13/16 in.) The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Born into a socially prominent New York City family, Wagstaff attended Yale University and the Institute of Fine Arts at New York University before working as a curator at the Wadsworth Atheneum in Hartford, Connecticut, and the Detroit Institute of the Arts. While he was a champion of contemporary art and organized numerous innovative exhibitions, it was not until he met the artist Robert Mapplethorpe (American, 1946-1989) that he developed an interest in collecting photographs. The two met in 1972 and became lovers, with Wagstaff supporting Mapplethorpe’s fledging career and Mapplethorpe helping Wagstaff understand the value of photography as art. Within a few short years, Wagstaff became a preeminent collector in a still young market.

Wagstaff promoted photography as an art form by exhibiting, publishing, and lecturing on his collection. In 1978 he organized the exhibition Photographs from the Collection of Sam Wagstaff, which opened at the Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C. before beginning a seventeen-venue tour. His reputation as an arbiter of taste provided an impetus for museums to collect photographs and for scholars to devote their studies to photography.

“In addition to frequenting auctions in New York, London, and Paris, Wagstaff would often troll secondhand shops and flea markets during his travels, and come back with shopping bags full of prints,” says Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum and curator of the exhibition. “Wagstaff had a knack for discovering photographs by unknown makers that were deserving of attention and was bold enough to hang these works next to those by the established masters.” The Wagstaff Collection is known for its quality and breadth, and the exhibition will include photographs by the medium’s pioneers, including William Henry Fox Talbot, Hill & Adamson, Gustave Le Gray, Nadar, and Julia Margaret Cameron. Wagstaff also had an eye for early twentieth-century photography, purchasing prints by Adolf de Meyer, Edward Steichen, Man Ray, August Sander, Edward Weston, and Dorothea Lange. Contemporary photographs are represented in the collection with works by William Eggleston, Diane Arbus, William Garnett, Larry Clark, Jo Ann Callis, and Peter Hujar.

After Wagstaff sold his collection of photographs to the Getty Museum in 1984, he turned to nineteenth-century American silver, and quickly amassed one of the finest collections in the field. On view in the exhibition is a Gorham sterling ice bowl and spoon fashioned in the shape of blocks of ice with cast icicles and polar bear handles. Wagstaff pestered Mapplethorpe to photograph the ice bowl, so it could be reproduced in a catalogue for an exhibition of Wagstaff’s collection of silver at the New York Historical society (that photograph is on view in Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium). Sadly, the catalogue was never published and Wagstaff died from AIDS-related complications, just two months before the exhibition opened.

“The story of Wagstaff’s late-in-life interest in silver underscores the core values that made him successful as a collector of photographs,” adds Martineau. “He began with a medium that he thought was remarkable and undervalued, and put all of his resources into building a world-class collection.”

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs is on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center. The exhibition is curated by Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum. The exhibition will be displayed in galleries adjacent to Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium, also on view March 15-July 31, 2015 at the Getty and March 20-July 31, 2015 at the Los Angeles County Museum of Art (LACMA). The Wagstaff exhibition will then travel to the Wadsworth Atheneum September 10-December 11, 2016 and the Portland Art Museum in Maine February 1-April 30, 2017.

The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

מוזיאון ג'יי פול גטי collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum&rsquos mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


צפו בסרטון: J. Paul Getty